Аранжировка
Существует сразу несколько трактовок слова "аранжировка". В советской методике под ним подразумевалось переложение готовой музыки на другой исполнительский состав, например, с фортепиано на четырехголосный хор, с вокального дуэта - на дуэт тромбона с балалайкой. Когда в музыкальном училище начинается предмет инструментовки, студенты начинают путаться - чем же аранжировка от инструментовки отличается. Другая трактовка - варьирование, т.е. примерно те же изменения, как при сочинении вариаций: изменения темпов, ритмов, размеров, стилевых окрасок. При этом частенько вносятся существенные изменения в авторскую мелодию.
Аранжировка может зайти так далеко, что и совсем заменяет исходную музыку другой, даже не созвучной оригиналу - но все-таки остается аранжировкой, потому что сохранен образ, мысль, эмоция - словом, нечто уникальное для данного сочинения

Например, Элегия. "Элегия" - моя самая первая работа в MIDI - обработка одноименного хора В.Калинникова. "Редеет облаков летучая гряда... и т.д." Это - пример максимального вмешательства в авторский текст. От хора не осталось ни ритма, ни жанра, ни стиля, ни даже самой мелодии. Только в кульминации труба проводит кусок исходной темы - специально для напоминания. Короче, от Калинникова осталась только форма, тональность и самый общий гармонический план - и то в немало "оджазованной" гармонизации. Тем не менее, кто знает сам хор, всегда его узнает - это испытано...

Так вот, давайте сразу договоримся о том, что и как мы будем именовать. Перекладывание музыки на другой исполнительский состав, с минимальным вмешательством в сам нотный материал - это инструментовка. Инструментовка в сочетании с акустическим сведением звука заново, то есть не только написание нот, но и режиссура - это ремикс, "пересмешивание". Использование чужой музыки в качестве вставки в свою - это цитата. Такое же использование, но под своим именем - это плагиат. Сразу оговорюсь, это не обязательно воровство, потому что чужие мелодии или приемы часто проникают в вашу музыку неосознанно, Вам кажется, что вы это сами сочинили, понимаете? Это - плагиат. Варьирование - это переосмысление чужой мелодии, намек на нее, может быть, пародия, перенос ее в сферу другого стиля или эпохи, изменение темпа или ритма. Гармонизация - это перекрашивание мелодии за счет других аккордов. Простое же, художественно неоправданное добавление погремушек к Баху названия не имеет. Пусть не судят меня строго уважаемые авторы, пользующиеся этим приемом, на нашем сайте, в частности. Я обещаю,что докажу свои слова.

Аранжировкой же давайте договоримся считать весь комплекс этих изменений плюс и такие, которые совсем забыты и о которых я еще упомяну. Аранжировка - это любое переосмысление или переоформление музыкального материала - но в пределах узнаваемости оригинала.

К примеру послушайте "Артист эстрады" - пример настолько минимального вмешательства в ноты автора, что может считаться даже не аранжировкой, а скорее, трактовкой. Изменен темп, шарм. Если помните, у Джоплина этот рэг-тайм звучит как бы неуклюже, прихрамывая. У меня - феерия радости, другое настроение. Аранжировка образа, а не нот. Писалось исключительно мышью, в качестве доказательства того, что и комп способен выразительно исполнять эмоциональные тонкости, и с целью проверить свои представления о физиологии звукоизвлечения на ф-но. (Извиняюсь за излишнюю научность) Практически без вмешательства в оригинал, но сильно изменен "шарм" - чем не пример аранжировки, основанной на уважении, "любви" к автору!

Как видите, понятие получается весьма расплывчатое, но все же так оно и есть. Это почти композиторство. Ведь настоящий композитор сочиняет только одну мысль, одну мелодию или даже мотивчик, все остальное лежит на его умении аранжировать, оформить эту мысль. И вы убедитесь, что аранжировка способна сделать из чего угодно - что угодно, на ней держится все.

Так что можно смело считать, что вы намерены быть композитором. Что нужно иметь в своем багаже для такой работы? Да практически все.
1. Понимание задачи. Вы должны точно знать, ДЛЯ ЧЕГО вы решились сделать аранжировку. Нет, я не имею в виду, кому вы собираетесь ее продать, или на какой аппаратуре она должна будет исполняться. Я имею в виду, что вы хотите внести нового в музыку. Помогаете ли вы этим автору, станет ли музыка лучше, хотите ли вы внести в нее другой смысл, или пытаетесь приспособить к другим условиям - ЗАЧЕМ вам понадобилось это делать. И вам будет яснее, какие средства нужно применять, чего нужно избежать. И если ваша работа окажется беднее (образно, психологически, духовно), чем оригинал - не начинайте ее совсем. И вообще, неплохо бы знать, как отнесется к вашей попытке автор. Вы все же подчинены ему, не правда ли? Тем осторожнее нужно быть, если его мнения вы не можете спросить. Например, если автор пребывает в лучшем из миров.
2. Знание стиля. Вам нужно точно знать, каков стиль той музыки, которую вы собираетесь обрабатывать и той музыки, которую вы хотите получить. Под стилем я подразумеваю свойства музыки старых эпох (возрождение, классицизм, романтизм, импрессионизм и т.д.) или современных направлений (рэп, техно, буги, румба, блюз, би-боп, рэг-тайм, хард-рок и т.п.). Для начала нужно просто осознать, с чем вы имеете дело.
3. Знание формы. Существует целая наука о том, как устроена музыка структурно, и несоблюдение этих законов грозит вам лишним утомлением. От бесформенной музыки просто мгновенно устаешь и тогда никто не оценит ваших стараний, просто выключат проигрыватель и все ваши ритмические или стилевые изыски пропадут зря.
4. Знание гармонии. То же самое, существует наука о красоте созвучий. Ее преподают в училище, и многим она представляется скучищей, чем-то вроде алгебры, но это глубоко не так. Позже я приведу несколько примеров того, что можно сделать с мелодией только средствами гармонизации - Вы будете удивлены. Наука эта создавалась трудами сотен сильных сочинителей и исполнителей, ее законы столь же нерушимы, как законы природы, и никуда Вы не денетесь от этого: неграмотная гармонизация неизбежно приведет к "самодельному" звучанию, даже если слушатель не поймет, что именно ему не нравится. Изучайте гармонию, и чем дальше вы продвинетесь, тем сильнее будет действовать Ваша музыка на психику.
5. Владение - если не руками, то хотя бы в теории - всеми инструментами. Каждый инструмент имеет специфические особенности звукоизвлечения и естественные ограничения по высотному диапазону и по техническим возможностям, и если этих ограничений не учитывать, вам не добиться естественности звука. Может быть, кто-то захочет именно диких звучаний, но, уверяю Вас, это сразу забьет все остальное, никто не услышит ни красоты, ни мысли, ни Ваших композиторских находок, если уловит что-то противоестественное в игре хоть одного инструмента - внимание просто распылится. Вообще все необычное, "неправильное" в Вашей музыке должно применяться очень осмотрительно, только оправданно и только минимально. Как горчица в пельменях. Это закон, я его испытал на себе, поверьте мне на слово. Позже я расскажу в общих чертах о свойствах разных инструментов по списку General MIDI, Вы будете вооружены.
6. Знание основ акустики, расстановки инструментов на сцене и правила сведения фонограммы, некоторые приемы и эффекты акустического плана. Поскольку здесь собрались люди, сидящие за компьютером, значит, ваша работа не закончится написанием нот. Вам придется двигать ручки звукорежиссерского пульта - это тоже может либо свести к нулю Ваш музыкальный труд, либо подарить такие краски, которые недоступны никак иначе. Правильное сведение - большая сила.
7. Представление, хотя бы в общих чертах, принципа работы вашей звуковой платы, ради эффективного ее использования. Тут я, не скрою, не съел собаки, и сам имею именно общее представление. Но и его, возможно, кому-то недостает. В конце концов, моя цель - музыкальная, творческая, просто я хочу, чтобы в интернете было место, где желающие могли бы повариться в профессионализме, копнуть музыку поглубже - таких мест довольно мало, к сожалению...
8. Наконец, Вам необходимо быть внимательными. Искать новые средства, изобретать новые фокусы. Наши, к примеру, эстрадные звезды - все до единой - имеют на вооружении два-три приема и в манере аккомпанемента, и в своей вокальной манере. Я как-нибудь укажу на них. Прислушайтесь потом к их песням, и вам будет смешно, до чего же однообразно и нагло эти два приема эксплуатируются. А таких приемов нормальный музыкант должен иметь сотни. Если Вы знаете только два способа, скажем, оформить аккопманемент, то Вы сможете создать только две аранжировки в Вашей жизни, все остальное будет жвачкой, повторением без конца. Надо ежедневно изобретать новое, подслушивать и учиться у других, пополнять свой рабочий (да и "черный" тоже) список выразительных средств. Иначе Вы умрете через неделю!

Дмитрий Низяев

ЕЩЕ НЕМНОГО ОБ ОБРАБОТКЕ ЗВУКА

АРАНЖИРОВКА.
Не существует правильных и неправильных способов написания, аранжировки и записи поп-песни. Однако большинство музыкантов хорошо видят изъяны только в чужой работе. Основные недостатки аранжировки могут состоять в длине частей песни: длинные и тем самым скучные вступления; куплеты и припевы слишком длинны или слишком коротки; вставки или проигрыши слишком длинны и неинтересны. Это может показаться само собой разумеющимся, но очень многие песни были испорчены ведущим рифом, исполненным сквозь куплет и припев, или скучной, утомительной последовательностью аккордов, которая повторяется четыре или восемь раз перед каждым припевом. Один человек очень легко может впасть в такую ошибку, поскольку очень трудно оставаться объективным, когда постоянно думаешь о технической стороне записи.
Другая ошибка, часто встречающаяся в аранжировке - слишком много инструментов играют одновременно. Одна из грубых ошибок - два или более инструментов занимают одну и ту же часть аудио спектра и играют с одинаковой динамикой. Отдельные инструменты становятся плохо узнаваемы, не выделяются звучанием из других, что приводит к мутному, "закрытому" саунду. Качество всего микса состоит в том, чтобы слушатель легко мог слышать любой инструмент, а не в том, чтобы его подавляла плотная стена звука.
Чтобы поместить инструменты в разные части аудиоспектра с минимальным перекрытием по частотам (так, чтобы каждый инструмент был хорошо слышен), применяют следующий способ: бас-гитара и бас-барабан занимают нижнюю часть спектра, тарелки - самый верх. Таким образом, если вы хотите добавить что-то еще в самый верх - скажем, некий рисунок, играемый секвенсором с тембром колокольчиков - то имеет смысл не играть четверти в каждом такте на тарелке "райд" в течение всей песни. Что касается баса и барабанов, то их аранжировкой следует заняться с самого начала. Ритм является основой для большинства современных поп-песен. Поэтому не экономьте время, уделяемое ритм-секции. Это также касается синтезаторов, сэмплеров и ритм-машин, и даже многих обычных инструментов.
Всегда есть соблазн добавить много реверберации на этапе микширования. Но послушайте несколько удачных поп-песен и вы увидите, насколько ненавязчива в них реверберация. Часто вполне достаточно снять "сухой край", не больше.
БАС-ГИТАРА.
Звук бас-гитары, как правило, почти не обрабатывают. Немного реверберации добавляют при использовании безладового инструмента, в особенности в медленных произведениях. Попробуйте убрать низкочастотную составляющую в реверберации путем подключения ревербератора через два свободных канала микшера и используя эквалайзер. Это предотвратит "замутнение" басовой области.
Бас почти всегда помещается в центр панорамы, и на это имеются свои причины. Низкочастотные звуки несут основную звуковую энергию и имеет смысл распределить ее в оба канала. Кроме того, слишком низкие звуки при перемещении из канала в канал плохо отслеживаются на слух, то-есть слушатель почти не заметит, что бас перемещается. Исключение из этого правила - басовая партия, сыгранная "слэпом", так как из-за наличия достаточного числа высоких частот прием "слэп" позволяет донести аудио-информацию о положении источника звука. Однако помните о распределении звуковой энергии. Лучший вариант - поместить бас в центре.
Если на этапе микширования вы не удовлетворены тональными характеристиками баса, можете улучшить звучание при помощи эквалайзера. Но не нужно слишком стараться: идеально отстроенный басовый звук, звучащий изолированно, не будет звучать так при добавлении других инструментов (и наоборот). Если звук не имеет хорошей атаки, можно добавить усиление на частотах от 80 до 100 Гц. Лучше это делать слушая, как звучит бас с другими инструментами. Если басовые звуки генерируются синтезатором или берутся с сэмплера, вряд ли требуется их компрессировать. Однако вам может понадобиться изменить настройку эквалайзера на этапе, когда вы выстроили приблизительное общее звучание. Эффекты "хорус", "флэнджер", "переворот фазы" могут быть добавлены к синтезированному басу так же, как вы сделали бы это для обычной бас-гитары.
БАРАБАНЫ
Звучание барабанов во многом - дело вкуса. Большинство современных синтезированных барабанных звуков имеют сходство с акустической ударной установкой. Принято обрабатывать звуки при помощи компрессора и гейта, чтобы получить отчетливые удары с ровной динамикой. Время атаки компрессора должно быть увеличено, чтобы внести необходимую живость в атаку звука.

... о перезаписи звука с кассеты на жесткий диск и далее на другой носитель.

Письма некоторых посетителей подтолкнули меня написать о перезаписи готовых песен с аудиокассеты в компьютер и далее на другой носитель. Вот к чему привели мои опыты и наблюдения.
Чтобы получить качественную запись нужно соблюсти некоторые требования. Естественно, что чем хуже оригинал, тем хуже будет и копия. Никому никогда не верьте, что можно из плохой записи с помощью компьютера создать хороший звук. Это глубокое заблуждение или высказывания людей никогда этим не занимавшихся. Вот конкретный пример. Я взял кассету “TDK SA – typeII (хром)” и записал на нее композицию с компакт-диска на магнитофоне “TEAC V-3010” с частотными характеристиками 15гц-20Кгц. Запись производилась в режиме “DOLBY NR-B”. При прослушивании фонограммы я с удовольствием отметил, что звучание осталось на высоком уровне. При перезаписи с кассеты в компьютер следует отключить все фильтры и систему DOLBY на магнитофоне, чтобы сигнал подавался с максимально большей чистотой, без всяких изменений. Запись в компьютер проводилась на самой высокой частоте сэмплирования 48Кгц. Мне кажется очевидным, что чем больше эта частота, тем выше качество звука. Я не буду приводить теоретические примеры – их везде полно. Естественно, что если кассета записана в режиме стерео, то и переписывать ее нужно тоже в этом режиме. Я проводил запись в программе “SAW Plus32”, чего и вам рекомендую, хотя качество записи от используемой программы не зависит, а зависит только от вашей звуковой карты, мне в этой программе очень приятно работать. И так, записав композицию в wave-file, я сразу получил осциллограмму этого файла в окне Sound, и увидел большие всплески на некоторых участках.
Сразу хочу оговориться, что это – нормально. Естественно, что при воспроизведении этого файла сразу стал слышен естественный шум ленты. От этого никуда не уйти, но можно его так замаскировать, что не каждый человек способен потом услышать его. Я не раз так покупал своих друзей и уверяю вас, что очень многие не могли сказать, с чего записан тот или иной файл. Как же это сделать?
Растянув осциллограмму начала этого файла, вы ясно увидите начало звука. Все, что было до первого звука, нужно удалить, т.к. это просто шум ленты. Так же следует поступить и с концовкой файла. Если же в конце песни сделано постепенное затухание, то нужно отметить начало и конец затухания и обработать данный отрезок соответствующим алгоритмом. Все это я пишу о программе “SAW Plus32”. Если файл динамичный и в нем присутствует много инструментов, которые охватывают широкий спектр звука, то уверяю вас шум ленты так замаскируется ими, что вы и сами не услышите его. Большинство современной музыки так и строится, но если вы такой файл запишите на компакт-диск или другой носитель, то звучание будет очень бедным. При одинаковых уровнях воспроизведения ваш файл в отличии от оригинала будет звучать тише и где-то дальше. В чем же причина? Причина в оцифровке звука. Я не зря в начале писал о всплесках на осциллограмме файла. Эти всплески и будут давать вам большие уровни, хотя основной сигнал будет заметно беднее и тише. Но не расстраивайтесь – на всякое ядие, есть противоядие! Файл следует подвергнуть компрессированию. Я это делаю с помощью прекрасной программы “Sound Forge”. Здесь главное правило – сто раз отмерь, один раз отрежь! Возьмите отметьте кусочек на файле и поэкспериментируйте с компрессией т.к. точных рекомендаций дать здесь невозможно. Все зависит от исходного материала. После компрессии вы заметите, что уровень сигнала несколько повысился, но выросли и пики. И вот здесь придет на помощь еще один алгоритм этой программы – Limiter. Вы сможете задать параметры, при которых сигнал не превысит заданного уровня, а все пики будут срезаны. Здесь тоже нужно поэкспериментировать, чтобы не срезать слишком много, а то заметно уменьшатся высокие частоты, и звук будет размазанным. Есть в этой программе и алгоритм Noise, с помощью которого вы сможете вырезать шум ленты в паузах. Но можно воспользоваться и соответствующим алгоритмом из программы SAW Plus32. Главное подобрать атаку и время затухания для конкретного файла. Вот теперь, когда материал откомпрессирован и лимитирован, вы можете, откорректировав звучание эквалайзером, записать это на другой носитель и с удовольствием заметить, что при нормальных уровнях записи, получился нормальный уровень с хорошим качеством при воспроизведении. Если необходимо, то можно подвергнуть файл дополнительной обработке, но это уже зависит от вашей фантазии. Все, что я написал применимо только к записям хорошего качества и на хорошей ленте. Для сравнения я взял кассету, записанную известной студией “....” мне попался альбом Аркадия Укупника. Если кто слышал качество этих кассет, то комментарии излишни. С таким материалом лучше не работать, так как звук там убит еще в зародыше.

(с)cjclub.ucoz.ru